Aquí tenéis otra pista:

La película de hoy era Hero de Zhang Yimou, y los destinos: Dunhuang (Gansu) y Jiuzhaigou (Sichuan), ambos en China.

Sinopsis:

Cuando China estaba dividida en siete reinos que se enfrentaron entre sí para conseguir la hegemonía, la miseria y la muerte asolaron el país. Al rey Qin, que vivía obsesionado con la idea de unificar China y convertirse en el primer Emperador, intentaron asesinarlo los otros monarcas. Entre los asesinos contratados, los más temibles eran Espada Rota, Nieve Volante y Cielo. Qin promete poder, riquezas y una audiencia privada a quien consiga vencer a los tres sicarios, pero es una tarea casi imposible. De modo que, cuando el enigmático “Sin Nombre” llega al palacio con las legendarias armas de los asesinos, el rey se muestra impaciente por oír su historia. (FILMAFFINITY)

Nos encontramos ante una película de luchas épicas, batallas asombrosas y combates de artes marciales inimaginables. El productor de Tigre y Dragón volvió a repetir parte de la fórmula de esta para hacernos llegar una cinta de una gran belleza visual, pero renunciar a un argumento interesante. Aunque en su momento se la tildó de centrarse demasiado en imágenes preciosistas, dando como resultado una postal cinematográfica, la verdad es que la película consigue entretener al espectador durante todo su metraje.

La peli, que se estrenó en 2002, fue en su momento la más cara del cine chino. Como anécdota, se sabe que la distribuidora MIRAMAX tenía los derechos para su estreno en EEUU, sin embargo retrasaron su estreno durante meses hasta que Quentin Tarantino convenció a la empresa para que la proyectara por fin.

Pero los amantes de Asia, dejando a un lado las opiniones sobre la película en sí, tienen la oportunidad con esta cinta de ver algunas de las imágenes de China más bellas que se hayan filmado jamás. Además de los destinos ya nombrados, se puede apreciar la hermosura de los paisajes chinos de Hangzhou, Heng Dian e incluso de la Mongolia interior.

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Aquí tenéis una segunda pista que seguro que os inspira aún más:

El destino de hoy era Taipei en Taiwan y la película Comer, beber, amar. Las imágenes pertenecen al Cementerio de la Colina de Chin-Pao y al Chiang Kai-shek Memorial Hall respectivamente. Durante la peliEl vemos al protagonista en el cementerio y corriendo por el parque que rodea al memorial, del que se pueden apreciar varios edificios emblemáticos.

La película está dirigida por el gran Ang Lee, realizador de El banquete de bodas, Sentido y sensibilidad, Brokeback Mountain o Tigre y dragón, a la que ya dedicamos una entrada del blog. En este caso, nos cuenta la historia de un maestro cocinero y sus hijas, una narración que nos habla de la tradición y de cómo es importante conservarla y mantenerla, a pesar de que los cambios en la vida son lógicos e inevitables, pero Lee se acerca al tema con un gran sentido del humor y una dirección de actores que nos transmite humanidad y cercanía.

Sinopsis:

Lee nos narra la historia de Chu, un viejo chef de Taipei, viudo y con tres hijas (Jen, Chien y Ning) muy distintas pero con algo en común: la rebeldía. Un buen día, sus vidas empiezan a complicarse: una gruñona viuda se muda al apartamento de al lado, alguien se queda embarazada, alguien cae en una profunda depresión, alguien muere y alguien encuentra el amor verdadero. El reputado director Ang Lee volvió a Taiwán para contar otra historia de sentimientos y emociones. (FILMAFFINITY)

La cinta de 1994 obtuvo un gran éxito de crítica y es una película muy interesante para los amantes de la cultura oriental, en especial de su gastronomía, ya que nos muestra que la comida en Taiwan (y en Asia en general) posee un valor ritual en muchas ocasiones. La cocina y la comida aparecen como un legado de los ancestros que se debe mantener y pasar de generación en generación, y que tiene un gran significado porque sienta a la mesa a amigos y familiares para estrechar lazos.

La historia está contada con haciendo gala de un gran naturalismo en las escenas, con planos largos que dejan hablar y mostrarse a los personajes, todo ello sazonado con unos excelentes diálogos que hacen de esta película el disfrute para los sentidos que ya promete su título.

Además, podemos ver el Taipei moderno, el modo de vida tradicional y cómo se mezcla con la actualidad y el ansia de novedades de las jóvenes generaciones.

Quizás después de verla a muchos viajeros os entren unas enormes ganas de comer, beber y amar en esta hermosa ciudad taiwanesa.

Trailer (en inglés):

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Director: Takashi Yamazaki

Intérpretes: Takuya Kimura, Meisa Kuroki, Naoto Ogata, Tsutomu Yamazaki

País: Japón / 2010

Género: Space Opera

Duración: 140 minutos

Año 2199. La Tierra está al borde de la destrucción. El fin del mundo parece inminente como consecuencia del ataque extraterrestre perpetrado por los Gamilas, unos avanzados seres cristalinos que irradian radioactividad en la superficie de nuestro planeta para terminar con la vida humana y así poder establecerse como nueva raza dominante. Después de muchos enfrentamientos, la esperanza proviene de Iskandar, un planeta alejado del sistema solar en el que unos alienígenas reportan una posible solución para eliminar la radioactividad. La última esperanza: Yamato, un crucero espacial japonés cuyo nombre hace honor al navío más grande de la Armada Imperial Japonesa y que en la Segunda Guerra Mundial defendió al pueblo nipón, que pondrá rumbo al enigmático planeta, no sin pasar por todo un calvario interplanetario en el que se verá forzado a proseguir su lucha contra sus batalladores enemigos.

Ûchu Senkan Yamato fue una de las series japonesas que tuvo el privilegio de inaugurar el subgénero de la ciencia ficción galáctica conocido como space opera, un término que en el caso de Leiji Matsumoto (co-creador de la serie original) está plenamente integrado en su refinado gusto musical por la ópera clásica (sobretodo por la obra de Wagner, tal y como demostró al concebir su posterior obra de culto Capitan Harlock). Pero volvamos a la serie original, pues esta obsesión por los buques espaciales, tomando prestado los modelos verídicos de la flota japonesa cuando aún disponía de un sólido ejército, se tradujo en esta apasionante historia marcial entre un reducto de héroes que arriesgan sus vidas para intentar proteger la vida de nuestro planeta de la amenaza de una desconocida raza alienígena. Unos alienígenas que no responden a los estereotipos de los clásicos aliens vistos en la ciencia ficción norteamericana, lo que supuso una revolución en el campo de la sci-fi con respecto al diseño conceptual de los  invasores. Toda una proeza que queda constatada en esta versión fílmica que supera con creces al manga original. Pero ojo, pues el concepto del serial fue creado en 1974 por Yoshinobu Nishizaki junto con Matsumoto, y fue lanzado al mismo tiempo tanto en anime como en manga (publicado por Akita Shoten y luego recopilado en 3 volúmenes).

Podemos hablar pues de un manga-eiga atípico, pues si de las páginas de Matsumoto (con su ausencia de tramas, su sentido de la verticalidad en las batallas y una clara vocación por imprimir una fuerte personalidad a sus personajes) se desprendía una cierta sensación de estatismo permanente, donde las batallas prácticamente quedaban relegadas a segundo plano, en el filme que ha rodado Takashi Yamazaki se opta por modernizar el producto original, rellenando su abultado metraje con espectaculares enfrentamientos complementados por una brillante puesta en escena y delimitando muy bien la personalidad de los clásicos personajes (Susumu Kodai, Yuki Mori, el alcohólico doctor Sado reconvertido en una atractiva fémina, etc.), sin profundizar demasiado en sus traumáticos pasados, con tal de mantener el excelente sentido del ritmo que fluye hasta el final. En este aspecto, Yamazaki ha hecho un esfuerzo de planificación secuencial envidiable, y sabe perfectamente qué esperaban los productores: un largometraje ocioso, que respetase la esencia de Yamato, pero que se impusiera a esos cánones clásicos de la ciencia ficción japonesa espacial que desde finales de los 70 han permanecido prácticamente inalterables (y me viene a la mente una serie de títulos que podrían emparentarse, como la ascética Odin o Legend of the Heroes of the Galaxy del estudio Madhouse).

Si hay algún elemento más a destacar que ayude a definir la grandeza de este blockbuster es su banda sonora, que de forma orquestal da un impulso definitivo al tempo que imprime Yamazaki, lo que hace que pase por nuestras retinas de forma tan veloz como esa aceleración espacio-temporal “warp” que permite a la nave desplazarse de forma inminente por los confines del espacio.

Contando las producciones animadas que se han realizado a lo largo de la historia de esta mini-saga espacial (destaco Final Yamato de 1983, con una duración épica de 163 minutos), Space Battleship Yamato es la octava película, sirviendo de coda, pues a esta serie de culto que ha sido interpretada por muchos aficionados como una lucha personal del hombre para defender sus libertades individuales (en sí toda la obra de Matsumoto va enfocada hacia esa línea) y una advertencia con respecto a los males que inflingimos a nuestro planeta. Ahora podemos disfrutarla con total libertad a través de una cuidada edición (gentileza de Mediatres, que nos ofrece un master perfecto en audio e imagen), que servirá para revivir la proeza de unos voluntariosos japoneses que pretenden sacrificarse para salvar el bien más preciado que tenemos: la Tierra. ¡Larga vida a Yamato!

Lo mejor: El ritmo trepidante, su banda sonora (gentileza de Naoki Sato) y los CGI.

Lo peor: La previsible resolución de la opereta galáctica se precipita en el clímax final, sin dejar margen a una explicación posterior de cómo finalmente se consigue repoblar la flora del planeta Tierra.

Por nuestro colaborador Eduard Terrades Vicens

Aquí tenéis una segunda pista:

El destino de hoy era Pagsanjan en Luzon, Filipinas, y la película Apocalypse now una de las obras maestras de Francis Ford Coppola.

Aunque las localizaciones en las que se rodó el film representan los campos de batalla donde tuvieron lugar los enfrentamientos de la Guerra de Vietnam, en realidad se rodó en Filipinas. Esto fue debido a que los paisajes eran perfectos para recrear la jungla vietnamita y el Gobierno del país estaba bastante dispuesto, previo pago, a prestar su colaboración. Tanto fue así que muchos de los helicópteros que aparecen son en realidad del ejército filipino, lo que provocaba que a menudo tuvieran que abandonar el rodaje para combatir a la guerrilla, provocando retrasos en la previsión de rodaje.

De la película poco podemos decir que no suene repetitivo: es una adaptación bastante libre de la gran novela El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, casi lleva a la ruína a su director y, aún más, a la muerte a él y a su protagonista: Martin Sheen.

Considerado el peor rodajede la historia del cine (por su dureza y por todos los problemas que surgieron durante el mismo), la cita de Coppola: “Esto no es una película sobre Vietnam, esto es Vietnam” cobra perfecto sentido al conocer las desventuras del equipo de filmación.

El primer protagonista iba a ser Harvey Keitel, que llegó a rodar algunas escenas, pero las desavenencias con el director provocaron su salida de la producción, con el consiguiente retraso.

El actor Martin Sheen sufrió un infarto en mitad del rodaje. En la primera escena de la película, en la que reflexiona sobre la guerra, vemos una escena en la que el actor estaba realmente borracho cuando la filmaron. En un momento, rompe un espejo de un puñetazo, se corta y acaba llorando tirado en el suelo. Al parecer, casi toda la escena fue una improvisación con el actor ebrio. En el ‘making off’, de hecho, se puede ver a un Martin Sheen desesperado tras cortarse de verdad hecho un mar de lágrimas y pidiéndole a Coppola que pare de rodar.

Y qué decir de Marlon Brando. El actor se encontraba en franca decadencia, lo que no impidió que legara uno de las mejores interpretaciones vistas en una pantalla dando vida al coronel Kurtz. Gordo, con la cabeza afeitada e improvisando la mayor parte de sus diálogos, dejó en esta película frases tan míticas como aquella sobre “El horror…” o cuando habla del caracol deslizándose por el filo de una navaja.

Inolvidable será siempre para los aficionados al cine el personaje de Robert Duvall como el Coronel Kilgore aficionado al surf. No en vano, el monólogo que termina diciendo “…aquella colina olía a… Victoria!” es una de las citas más recordadas del séptimo arte.

Tifones que arrasaron los decorados, peleas entre actores, Brando negándose a rodar con Dennis Hopper, Malaria, amenazas de divorcio… Toda una hecatombe en forma de rodaje, una tortura que duró más de tres años tras los cuales nos quedó la que es una de las mejores películas bélicas de la Historia del Cine, rodada con maestría y cargada de referencias literarias y mitológicas.

Coppola, además, presentó en Cannes en 2001 una versión extendida: Apocalypse Now Redux que contó con el aplauso de la crítica y de los seguidores de la primera versión.

Por lo demás, casi toda la población de Pagsanjan participó en un rodaje gracias al que la zona se puso en el punto de mira del turismo. Son muchos los viajeros que acuden cada año a esta región de Filipinas para contemplar el paraíso natural en el que se rodó la película, entre los que destacan sus cataratas.

Así que si queréis imaginar cómo debió ser filmar esta gran película, no dudéis en visitar Filipinas. Seguro que vuestra experiencia será más tranquila y agradable que la de los miembros del equipo de rodaje.

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Como han acertado con gran rapidez nuestro viajeros, nuestro destino de hoy era el Templo Shoshazan Engyo-ji, en Himeji, Japón, y la película: El último samurai.

Sinopsis:

1870. El capitán Nathan Algren es un hombre a la deriva. Las batallas que libró en otro tiempo parecen ahora lejanas e inútiles. Arriesgó su vida en la guerra civil y en las campañas contra los indios, pero, desde entonces, el mundo ha cambiado radicalmente: el pragmatismo ha reemplazado al valor, el interés personal ha ocupado el lugar del sacrificio, y el sentido del honor ha desaparecido. En un país muy lejano, otro soldado ve cómo su modo de vida está a punto de desintegrarse. Es Katsumoto, el último líder de un antiguo linaje de guerreros, los venerados samuráis, que dedicaron sus vidas a servir al emperador y a su país. (FILMAFFINITY)

La película, dirigida con corrección por Edward Zwick, nos muestra un Japón de otra época no exento de cierto románticismo bélico.  Es de agradecer el rigor histórico que presenta al gran público a la hora de contextualizar la historia en el Japón del siglo XIX, aunque este esfuerzo siempre esté dirigido en pos de la espectacularidad de la cinta, algo que tampoco tiene por qué ser negativo.

Por otro lado, las interpretaciones de Tom Cruise y sobre todo de Ken Watanabe están por encima de la media a la que nos tienen acostumbrados en otras super producciones de Hollywood, algo que hace más agradable si cabe el visionado de El último samurai.

En el film podemos ver lugares de Japón tan fascinantes como el templo de la imagen, el Shoshazan Engyō-ji, el castillo Nijo de Kyoto y algunos escenarios naturales de gran belleza.

Una película que a los amantes de la historia japonesa que no la hayan visto, probabemente les entusiasme y que provoca que se desee visitar eso lugares en los que se respira la historia de ese Japón ancestral y guerrero que tantos viajeros admiramos.

Trailer:

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Aquí tenéis una segunda pista:

El destino de hoy era el barrio de Khaosan Road en Bangkok, Tailandia, y la película Ong-Bak, dirigida por Prachya Pinkaew. En la cinta se puede ver una impresionante persecución que tiene lugar en parte en los callejones que rodean a esta popular zona poblada de mochileros, gente de paso y el bullicio que forman la gente local en su día a día.

La peli es una producción de artes marciales con una impresionantes coreografías, rodada al estilo de la vieja escuela (sin trucos ni efectos especiales por ordenador). Un film de entretenimiento para pasar un buen rato de acción y mamporros.

Sinopsis:

Ong Bak es una estatua legendaria de Buda que se halla en el templo de Nong Para-du, en la Tailandia rural. Los aldeanos creen que los poderes mágicos de Ong Bak les protegen de todo mal. Un despiadado gánster roba la cabeza del buda dejando al pueblo totalmente desprotegido. Sus habitantes buscarán a un guerrero para recuperar el buda y enfrentarse a la banda de gánsters, encontrando a Ting, un huérfano criado en el templo, y alumno de Pra Kru, un amable monje, experto en el ancestral arte del Muay Thai: “Las Nueve Armas Corporales”. (FILMAFFINITY)

La escena de la persecución:

La disciplina de lucha que podemos ver durante la película es el Muay Thai, un arte marcial que es uno de los símbolos de Tailandia y que tiene su origen en el antiguo reino de Siam. Este conjunto de técnicas de lucha está considerado como uno de los más efectivos del mundo en el combate cuerpo a cuerpo, en parte porque está permitido utilizar casi cualquier parte del cuerpo para atacar: desde las manos y los pies a el codo, la rodilla e incluso la cabeza. En la peli se pueden ver algunas espectaculares escenas de lucha que casi desafían las leyes físicas.

En definitiva, un entretenido film en el que se puede contemplar Tailandia mientras damos rienda suelta a nuestra adrenalina.

Trailer:

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Aquí tenéis una segunda pista:

El destino de hoy era Pagsanjan en Luzon, Filipinas, y la película Apocalypse now una de las obras maestras de Francis Ford Coppola.

Aunque las localizaciones donde se rodó el film representan los campos de batalla donde tuvieron lugar los enfrentamientos de la Guerra de Vietnam, en realidad se rodó en Filipinas. Esto fue debido a que los paisajes eran perfectos para recrear Vietnam y el Gobierno del país estaba dispuesto a prestar su colaboración. Tanto fue así que muchos de los helicópteros que aparecen son en realidad del ejército filipino, lo provocaba que a menudo tuvieran que abandonar el rodaje para combatir a la guerrilla.

De la película poco podemos decir que no suene repetitivo: es una adaptación bastante libre de la gran novela El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, casi lleva a la ruína a su director y, aún más, a la muerte a él y a su protagonista: Martin Sheen.

Considerado el peor rodaje (por su dureza y por todos los problemas que surgieron durante el mismo) de la historia del cine, la cita de Coppola: “Esto no es una película sobre Vietnam, esto es Vietnam” cobra perfecto sentido al conocer las desventuras del equipo de filmación.

El primer protagonista iba a ser Harvey Keitel, que llegó a rodar algunas escenas, pero las desavenencias con el director provocaron su salida de la producción, con el consiguiente retraso.

El actor Martin Sheen sufrió un infarto en mitad del rodaje. En la primera escena de la película, en la que reflexiona sobre la guerra, vemos una escena en la que el actor estaba realmente borracho cuando la filmaron. En un momento, rompe un espejo de un puñetazo, se corta y acaba llorando tirado en el suelo. Al parecer, casi toda la escena fue una improvisación con el actor ebrio. En el ‘making off’, de hecho, se puede ver a un Martin Sheen desesperado tras cortarse de verdad hecho un mar de lágrimas y pidiéndole a Coppola que pare de rodar.

Y qué decir de Marlon Brando. El acto se encontraba en franca decadencia, lo que no impidió que legará uno de las mejores interpretaciones vistas en una pantalla a la historia del cine dando vida al coronel Kurtz. Gordo, con la cabeza afeitada e improvisando la mayor parte de sus diálogos, dejó en esta película frases tan míticas como aquella sobre “El horror…” o cuando habla del caracol deslizándose por el filo de una navaja.

Tifones que arrasaron los decorados, peleas entre actores, Brando negándose a rodar con Dennis Hopper, Malaria, amenazas de divorcio… Toda una hecatombe en forma de rodaje, una tortura que duró más de tres años tras la cual nos quedó la que es una de las mejores películas bélicas de la historia del cine, rodada con maestría y cargada de referencias literarias y mitológicas.

Por lo demás, casi toda la población de Pagsanjan participó en un rodaje gracias al cual, la zona se puso en el punto de mira del turismo. Son muchos los viajeros que acuden cada año a esta región de Filipinas para contemplar el paraíso natural en el que se rodó la película, entre los que destacan las cataratas.

Así que si queréis imaginar cómo debió ser filmar esta gran película, no dudéis en visitar Filipinas. Seguro que vuestra experiencia será más tranquila y agradable que la de los miembros del equipo de rodaje.

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Cambiamos de ciudad, pero no de país para averiguar el destino y la película de hoy, que pertenece a una prolífica saga. Aquí va la otra pista:

La película de hoy era Sólo se vive dos veces, la quinta entrega de la prolífica saga de James Bond, 007. Nuestro destino era Japón, concretamente el antiguo muelle de Kobe (aunque las escenas de la peli se rodaron en el cercano nuevo muelle, pero hemos querido complicarlo hoy un poco) en la primera foto y el castillo Himeji en la segunda.

En esta entrega nuestro agente secreto favorito viaja hasta el País del Sol Naciente para cumplir con su misión:

Dos naves espaciales, una norteamericana y otra rusa, han sido secuestradas en la órbita terrestre. Todo depende ahora de la intervención del Agente 007 -Sean Connery- para prevenir una guerra nuclear entre las dos superpotencias. Su misión consistirá en viajar hasta Japón y desenmascarar a la peligrosa organización Spectra y a su diabólico líder, Ernest Stavro Blofeld -Donald Pleasence-. (FILMAFFINITY)

La película se rodó en numerosas localizaciones como las ya citadas y otras de Japón como: la bahía de Kagoshima, Akasaka, las montañas de Ebino en Miyazaki o Tokyo. Pero también en otras partes del mundo como Bahamas, Escocia e incluso en Málaga.

La película está rodeada de curiosidades. Entre ellas, es la primera vez que 007 llama a Monipenny por el sobre-nombre de Penny. Además, el set que se construyó para recrear el volcán en los estudios Pinewood de Londres utilizó más acero que el que se necesitó para levantar el Hotel Hilton de Londres.

Es una de las cintas más entretenidas de 007, con mucha acción, y es una peli ideal si queréis conocer buena parte de Japón a través del cine, si no la habéis visto aún, no os la perdáis!

Trailer:

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Os ofrecemos una segunda pista, aunque esta vez el país es el mismo, pero el destino concreto cambia un poco:

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La película de hoy era American Gangster y los destinos Chiang Dao y el mercado nocturno de Chiang Mai, Tailandia. La peli es un thriller con ribetes de drama que cuenta la historia del ascenso de un narcotraficante afroamericano durante los años sesenta y setenta:

Nueva York, 1968. Frank Lucas (Denzel Washington) es el silencioso chófer y recadero de un importante mafioso negro de Harlem. Cuando su jefe muere inesperadamente, Frank decide aprovechar la oportunidad para construir su propio imperio y hacer realidad su versión del sueño americano. Richie Roberts (Russell Crowe), un policía marginado que conoce bien las calles, se da cuenta de que en el mundo del hampa el poder está cambiando de manos. Cuando sus destinos se crucen no tardará en estallar una confrontación de la que sólo uno podrá salir victorioso. (FILMAFFINITY)

La cinta, sin ser el mejor trabajo de su director, Ridley Scott, es una buena muestra del talento y del saber hacer del cineasta. American Gangster nos transporta a las alcantarillas de la sociedad americana en una época en la que el ‘verano del amor’ parecía ya un sueño lejano y las drogas se apoderaban de las calles. Todo ello recreando una lucha de poder entre dos hombres con su propio código, pero con destinos enfrentados.

Repleta de acción, con un guión muy cuidado y unos actores de lujo, la peli es totalmente recomendable, aunque quizá lastra una duración excesiva que puede hacerla pesada en algunos momentos.

Por lo demás, las escenas rodadas en Tailandia muestran un Chiang Dao y un mercado de Chiang Mai de otro tiempo que seguro que a más de un viajero le despiertan las ganas de conocer estos destinos. ¡Os animamos a ello!

Trailer:

Aquí tenéis otra imagen que seguro que os pone más fácil acertar con uno de los destinos de hoy:

La peli de hoy, como bien ha acertado nuestro amigo Jorge, era The Karate Kid (2010) y nuestros destinos, el templo Golden Summit en Wudang y el sector de Mutianyu de la Gran Muralla, ambos en China. Wudang se considera uno de los lugares de donde el arte marcial conocido como Tai Chi Chuan es originario.

A pesar de que la cinta mantuvo el nombre de la película original en la que se inspira vagamente (el clásico Karate Kid), en esta ocasión el protagonista, interpretado por un precoz Jaden Smith que parece tener un futuro tan prometedor en el cine como el de su padre Will, se convierte en un pequeño experto en Kung Fu y no en Karate. Como podéis leer en la sinopsis:

Dre es un joven que se muda a China con su madre soltera por motivos de trabajo. Cuando un matón local empiece a molestarle, el joven encontrará un apoyo en Mr. Han, un hombre que se ofrece a enseñarle Kung Fu para defenderse de sus agresores. (FILMAFFINITY)

En esta ocasión, será Jackie Chan encarnando al personaje de Mr. Han, el encargado de interpretar el papel al que en su momento diera vida el añorado Par Morita: Un señor Miyagi con el que Han tiene mucho en común, como un pasado familiar trágico que recuerda cuando empina el codo y cierta afición a intentar cazar insectos voladores con palillos.

La película no es más que un buen entretenimiento para toda la familia que, eso sí, muestra algunas de las zonas más bellas de China, como las que ya hemos nombrado y otras como las impresionantes montañas Huangshan, por no citar Beijing, donde transcurre buena parte del metraje.

Trailer:

¿Os animáis a seguir los pasos del Karate Kid del Siglo XXI visitando China? Viendo esos preciosos paisajes, seguro que no os decepcionará el lugar!

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